А что включает в себя это понятие «интересно наблюдать»?
Давайте разберемся.
Ну, прежде всего, интересен тот, который не играет текст.
Или, как ещё говорят по-другому «выразительно его читает». Это важно. Текст нужно жить, чтобы действие, прописанное в тексте, не было по первому плану. Чтобы действие, положенное на текст, было решено на основании взаимоотношений персонажей, его состоянии, сквозном действии, на чем угодно, но не на том, что написано в самом тексте. Поясню. На банальном примере. В сериальной индустрии (да и в полнометражной тоже, чего уж там) есть такое понятие, как конфидент. Это когда персонажи рассказывают
друг другу то, что сейчас происходит в сюжете. Обычно конфидента много во всяких детективах, процедуралах, медицинских сериалах и т. д. Так вот играть её по первому плану ни в коем случае нельзя, да и не получится. Как играть перечисляемые факты? А очень просто нужно играть не факты, а отношения между персонажами. А если нет отношения, играть внутренний конфликт или рефлексию от предыдущего события.
Интересен тот, у которого богатый эмоциональный аппарат.
У которого наработано множество красивых штампиков, и он ими умеет пользоваться, не повторяясь в рамках сцены или эпизода. Самые интересные могут не повторяться целую серию. Зритель очень быстро улавливает статичность артиста (не по физическому действию, а по психологическому, и по эмоциональному состоянию) и очень хорошо замечает скудность эмоционального багажа. Как только артист начинает повторяться, зрителю он сразу становится скучен.
Еще артист должен быть интересен в паузах.
Что это значит? Это значит, что паузы должны заполнены психологическим действием. Что-то там с ним должно постоянно происходить. Как-то глаза его должны постоянно работать. Что-то всё время в состоянии меняется. Вообще, нужно запомнить статика в любом её виде для артиста профессиональная смерть!
Интересен тот, у которой рваный темпоритм.
Я может быть сейчас удивительную вещь скажу, но темпоритм в кинокартине задается именно актером, его игрой. А не монтажом и музыкой, как многие считают. Монтаж и музыка должны актерский темпоритм подчеркивать и поддерживать. Если монтажом и музыкой приходится темпоритм задирать или как-то менять, то это значит или актер, или режиссер с одной из своих задач не справился. Если же у артиста темпоритм не меняется, то это уже проблема. Потому что стабильный темпоритм скучен. Человек чувствует только изменение темпоритма, и соответственно проявляет к этому интерес.
Еще интересна тот, у который показывает разницу своих эмоциональных потенциалов.
Звучит красиво, но непонятно. Что это? Это процесс изменения эмоционального состояния артистом из одного крайнего в противоположное крайнее через серию переходных состояний. А это, поверьте, очень непросто. Тем более в рамках одной сцены. Не просто, но очень красиво. И артист в таких процессах выглядит очень интересно.
Просто глаз не оторвать.
Почему меня не утверждают?
ПРАВИЛО 1. Умей себя продать
Если в фильме сцена рассказывает историю, то задача пробы для вас утвердить вас на роль. А значит, главное, что нужно сделать в сцене для пробы лично вам грамотно продать себя, то есть максимально продемонстрировать свое мастерство. Нет, конечно, если вы, к примеру, выпускник ГИТИСа, чей талант любим и публично восхваляем вашим мастером, или вы жена (а возможно и муж) режиссера или продюсера, или вы одновременно небесно красивы и небесно талантливы безусловно, и вас и ваше мастерство будут холить, лелеять и неистово продвигать всеми возможными способами. Но если вы всё же относитесь к большинству представителей актёрской братии, если вы артист среднего и высшего мастерства, и не умеете себя продавать как бы цинично это ни звучало, о вас просто никто никогда не узнает.
Что в пробе вы можете сыграть наиболее выгодно для себя? Что такого вы можете показать в сцене, чтобы обратить на себя внимание среди многих других артистов? Что у вас получается лучше всего, какие пристройки, какие штампы вы можете сюда поместить? Естественно, это не должно идти в корне в разрез с персонажем, который там прописан и, конечно же, не должно противоречить истории.
Это должно лежать сверху, дополнять и выгодно выделять вас как артиста.
ПРАВИЛО 2. Диапазон и работа без партнёра
Важнейшая составляющая, благодаря которой актёрское мастерство выглядит «богатым» это диапазон. И эмоциональный и по действию. Или по-другому багаж штампиков, которые артист может сыграть. Он показывает, насколько ярко артист может проявлять настоящую человеческую эмоцию. Не сыгранную, а настоящую, ЖИВУЮ, когда артист сиюминутно, здесь и сейчас реагирует на то, что с ним происходит. Идёт от реакции партнера, сопереживает ему, отвечает, работает с реквизитом. Это хорошо, когда есть партнер и реквизит.
А если этого нет?
Во этом случае вступает в работу эмоциональный интеллект, благодаря которому можно смоделировать реакции своего партнера. Если вы можете представить эмоции партнёра, «живёте» материал и текст сцены, независимо от того, коллега-артист перед вами, или подбрасывающий реплики кастинг-директор, или ассистент по актерам это огромное преимущество, которое вас продаёт.