Всего за 396 руб. Купить полную версию
Какой метод изображения выбрать, какой логикой пользоваться решать автору. Только он несет всю ответственность за принятое такое решение и должен тогда уже «донести» это решение до конца, быть в нем убедительным.
Любителям ярких цветов о живописи
Обычно, когда начинающие радостно красят свои первые шедевры открытыми чистыми цветами, а потом показывают профи с бородами, последние обычно в ответ неодобрительно цокают, мотая головой, дескать, это никуда не годится, это не живопись! И приводят в пример настоящую живопись обычно, на взгляд начинающего художника «серую и безрадостную», и отчего они втайне дают себе зарок так не делать никогда.
«Больше грязи больше связи!» разгуливает по всей художественной земле «закон живописи». Почему в кавычках?.. Потому что педагоги ученикам так говорят с долей иронии. С одной стороны если общий цвет, даже неопределенный грязный, присутствует везде на картинной плоскости, то он ее объединяет, и картина смотрится цельно, с другой стороны грязь это не цвет и к живописи никак не относится, а скорее, наоборот, а само понятие живописи состоит в другом.
Живопись это сочетание теплого и холодного, то есть когда можно сказать о двух цветах, положенных рядом, что один из них теплый, другой холодный относительно друг друга. А грязь это термин у живописцев, обозначающий неопределенность по теплохолодности. Еще такие места называют «дырками».
То, что имеется в виду в поговорке про грязь это не совсем грязь, а просто очень сложные оттенки серых и коричневых на первый неподготовленный взгляд может показаться просто серостью и грязью. Но если присмотреться это живой цвет, сотканный из теплых и холодных всевозможных оттенков серого: красноватого серого, зеленоватого серого, желтоватого или синеватого то есть везде в «грязи» есть частичка определяемого цвета «из радуги».
Но любители открытых, «понятных» цветов жаждут яркой радостной и что немаловажно определенной картинки.
К счастью для них, есть и такая живопись, «цветная», есть и такие примеры в истории искусств. И первое, что приходит на ум это, конечно же, А. Матисс.
Не живопись, а праздник цвета у А. Матисса! У великого маэстро все цвета, хотя и интенсивные, но все равно не «простые», а имеют очень определенные специально подобранные оттенки, которые и дают такие красивые сочетания, которыми мы и любуемся.
Понять принцип теплохолодности закона живописи очень просто на примере света и тени.
Обратите внимание, что то, что ярко освещено солнцем, «горит» ярко теплым оттенком, а рядом в тени мы наблюдаем уже холодный оттенок этого же цвета.
Обратите внимание, что в натуре Вы можете не всегда это увидеть, только зная это свойство и порой только тщательно приглядываясь, можно это заметить. Более того, даже если невооруженным глазом и так все просто видно, то при фотографировании у Вас все это «волшебство» теплохолодности исчезнет, превратившись в черные «глухие» тени.
И теперь скажите, что делают люди, срисовывая фотку?.. Все, что угодно, но только не живопись.
Живописец же, имея большой натурный опыт, работая с фотоматериалом, делает поправку на недостатки фототехники и сам сочиняет цвета в тени, которых нет на фотоснимке.
Остальной же люд довольствуется контрастной картинкой с цветом в светах и, зачастую, не замечает разницы между живописью и не-живописью, так как и не знает, на что обращать внимание. Оттого и так мало настоящих живописцев, к слову сказать.
Вопросы тоже могут быть неверными
Да-да! Именно так: не только ответы бывают неверными, но и вопросы!
Обычно их задают новички в каком-то деле, в том числе и начинающие художники.
Цель вопроса прояснить для себя детали, понять что-то непонятное. Какие детали надо прояснить вот в чем кроется секрет профессионализма!
Профессионалы задают «правильные» вопросы, проясняющие недостающие детали важные элементы для понимания сути, чтобы «заработало», «завелось», «поехало» и «встало на место». То есть профи зрит в корень проблемы для того, чтобы ее решить. Новичок же, не зная устройства механизма, не знает, какие детали надо прояснить, чтобы понять, как механизм заработает, при каких условиях? У него есть только какие-то начальные сведения о механизме вот достаточно ли их будет?..
Так и в творчестве. Начинающий художник может задать вопросы не по существу и интересоваться тем, что не имеет смысла. Без этих деталей «механизм» может обойтись, они несущественны в его работе. Это все равно как спросить, какой краской покрашен автомобиль, чтобы понять, почему он не заводится примерно так выглядят вопросы «каким цветом надо сделать речку», тогда как вся композиция «завалена» на одну сторону
Еще часто начинающие художники «обещают» «еще поработать». Под этим они имеют в виду придать объема предметам, прописать детали и сделать поярче и открытее цвета так, что все в итоге рассыпается в разные стороны. Это вместо того, чтобы исправить композицию, цвет сделать сложнее.
Какой принцип мышления у новичков?.. Остается загадкой. Вот как рассуждает профессионал всегда понятно: его логику рассуждений можно понять по тому, «как было» и «как стало» в рамках ведения работы над картиной все логично.
К чему эти рассуждения на тему, у кого какой принцип мышления? А к тому, что задавать вопросы можно не только кому-то вовне, но и к себе лично, «вовнутрь», непосредственно в процессе работы. То есть мышление это и есть череда таких вопросов и ответов на них диалог с самим собой.
Яркий пример: есть работа, уже «сделанная», но не радует. И непонятно почему. На переднем плане изображена в тени листва, колышемая ветром, на дальнем освещенные солнцем просторы. Непонятно, что исправить, чтобы картина «ожила». Может, темнее и холоднее дать листву на переднем плане?.. Сделано. Лучше не стало, возможно, что наоборот. Обратно вернула. И тут вдруг до меня дошло: надо ритм больше выявить качающихся на ветру веток! И точно, все так: как динамики добавила, так картинка и «ожила». То есть можно было сразу задать вопрос о ритме и сразу все сделать как надо. То есть, если иметь в виду самое характерное, ради чего работа пишется, то можно сразу все и сделать как надо, а если в процессе работы «потерять» это главное, то можно еще долго потом «круги нарезать», пока придешь к искомому результату. (Речь шла о работе «Плес»)
Профессионал тот, у кого этот путь короткий, а начинающий художник имеет путь длинный, и не факт, что он еще доберется до финиша. Чем опытнее становишься, тем укорачивается путь. Или просто достигаешь результата, хотя бы через годы работы.
Тут следует отметить еще какое качество такого результата. Качество может быть разное, у великих оно одно, у начинающих другое, хотя и те, и те достигли своих целей, и у всех «картинка ожила». Весь вопрос в требованиях к себе у автора. Часто бывает, что начинающий считает работу завершенной, хотя на взгляд профессионала она вообще не состоялась, и наоборот: великие никак не удовлетворятся результатом, все правят и правят уже даже в музеях, тогда как «простые смертные» выгоняют их из залов этих музеев, дабы «не портили» шедевр.
И это также к теме задаваемых вопросов.
Начинающий задает вопросы к себе опять не те, когда он на них утвердительно отвечая, ошибочно полагает, что его работа удалась. И наоборот: великие задают себе вопросы, на которые никак не могут найти ответов, хотя работа уже давно «живет», и живет в музее. (Думаю, в их случае эти вопросы уже за гранью правильных и неправильных, это из разряда темы точки бифуркации, после прохождения через которую возможны все варианты событий. Хотя, подозреваю, сейчас начинающие обрадуются: «Ага! У нас тоже пройдена точка бифуркации, раз мы правим и правим, и конца и края этому не видим!» Нет, увы! Поспешу разуверить: это просто от неопытности и непонимания, к чему стремишься).