В творчестве Монтеверди гармонично сочетаются музыка и текст. Он писал не только оперы, но и духовную музыку, религиозные и светские мадригалы. В XVIII в. опера стала основным видом музыкального искусства в Италии, чему способствовал высокий профессиональный уровень певцов, обучавшихся в консерваториях. Значительны достижения музыки Италии XVII–XVIII вв. и в области инструментальных жанров, а для развития органного творчества много сделал композитор и органист Джироламо Фреснобальди.
Достигло расцвета и скрипичное искусство. Потомственные мастера семейств Амати, Гварнери, Страдивари разработали конструкцию скрипки и способы изготовления, которые хранились в глубокой тайне.
Скрипичную итальянскую музыку на весь мир прославил Антонио Вивальди. Особого мастерства композитор достиг в жанре "Большого концерта". Его музыка, динамичная и яркая, завораживала слушателя. Он часто включал в музыку диссонансы, смешивая звуки различных инструментов, что поистине было новаторством в области музыки.
Итальянская опера в XIX в.
В первой половине XIX в. под влиянием романтизма традиционные жанры итальянской оперы, сложившиеся на рубеже XVII–XVIII вв., изменились. Опера-серима превратилась из "концерта в костюмах" в повествование о любви; при этом сохранялась важная особенность жанра - виртуозность вокальных партий. В это время выделяются такие композиторы, как Виниецо Беллини (1801–1835 гг.) ("Корма", "Сомнамбула", "Пуритане"); Гаэтано Доницетти (1797–1848 гг.) ("Лючия ди Ламмермур", "Любовный напиток").
Творчество этих композиторов завершает период, когда в итальянской опере господствует стиль бельканто. Красота голоса, техническая виртуозность считались самостоятельными ценностями; сюжет произведения автор часто подчинял личности артиста и его вокальным способностям. С середины XIX в. более значимыми стали действие, психологическая убедительность. Голос певца начал восприниматься как средство, раскрывающее внутренний мир героя, а виртуозность перестала быть самоцелью.
Новый для Италии вид оперы создал Джузеппе Верди (1812–1901 гг.). В своем творчестве он обратился к реализму, и его лучшие произведения можно назвать реалистичной музыкальной драмой, сохранившей вместе с тем черты романтизма (это своего рода романтический реализм). Сложные психологические ситуации в них показаны многосторонне и красиво, переданы сокровенные движения душ героев. Однако глубина замысла никогда не мешала композитору дать исполнителю возможность эффектно показать техническое мастерство, взять коронные верхние ноты, красиво выступить на сцене.
В ранний период творчества Верди (40-е гг.) существовали два направления в его творческих поисках. Первое - героико-романтическое ("Кабукко", "Ломбардцы в первом крестовом походе", "Битва при Леньяно"). В этих произведениях жизнь главных героев тесно связана с историческими событиями, борьбой народа за независимость. В это время в Италии широко развернулось движение за объединение государства и освобождение северных провинций от австрийского владычества. Движение получило название Рисорджименто, что в переводе с итальянского означает "возрождение". Второе направление в творчестве Верди - психологическое ("Макбет", "Луиза Миллер"). В зрелом периоде творчества Верди размышляет о возможности человека противостоять злу, которое живет в окружающем мире и в нем самом: "Риголетто", "Трубадур", "Дон Карлос", "Бал-маскарад". Верди сохранил традиционное для итальянской оперы деление действий на номера, но сумел добиться тесной связи между ними, сделать развитие событий динамичным, а композицию стройной.
В последний период творчества Верди написал две оперы - "Отелло" и "Фальстаф". В творчестве Верди соединялись смелое новаторство и уважение к традициям.
Судьба итальянской оперы в XIX в. складывалась непросто. Итальянские труппы работали практически во всех европейских столицах; они неизменно собирали полные залы и нередко пользовались покровительством монархов. Однако музыкальная общественность стран Европы часто относилась к такой популярности с предубеждением. Считалось, что итальянская оперная школа препятствует развитию национальных школ. Такой взгляд мешал объективно оценить прекрасное качество музыки.
"Ла Скала"
"В истории оперы нет другого оперного театра, столь же почитаемого, столь же часто копируемого, столь же часто упоминаемого в качестве эталона для сравнения, как "Ла Скала". Но "Ла Скала" - это отнюдь не только красивое место для оперных постановок, это самый символ оперы - итальянской оперы", - писал Генри Саймон. Поэтому открытие в 1946 г. восстановленного театра, который был разрушен во время бомбежки в 1943 г., было великим событием.
"Ла Скала" начали строить в 1776 г. по проекту архитектора Джузеппе Пьермарини, на месте Санта-Мария делла Скала (откуда театр получил свое название). Закончилось это строительство в 1778 г. Для открытия нового театра, которое состоялось 3 августа 1778 г., Антонио Сальери специально сочинил оперу "Узнанная Европа".
До конца XVIII в. на сцене "Ла Скала" ставились также драматические спектакли, и только в начале XIX в. театр стал исключительно оперным. В 1812 г. на его сцене прошла премьера оперы Россини "Пробный камень", ставшей первой из опер Россини в истории театра. С 30-х гг. XIX в. история "Ла Скала" связана с творчеством Г. Доницетти, В. Беллини, Дж. Верди. Во II половине XIX в. на сцене "Ла Скала" исполняются произведения зарубежных композиторов. Именно в "Ла Скала" впервые в Италии были поставлены "Фауст" Гуно, "Парсифаль" Вагнера, "Евгений Онегин" и "Пиковая дама" П. Чайковского, "Хованщина" М. Мусоргского.
Концертный сезон в "Ла Скала" начинается в декабре и длится до июня. Осенью на его сцене проводятся симфонические концерты. Особой торжественностью отличается открытие сезона. Это всегда 7 декабря - день Святого Амвросия, покровителя Милана.
Миланская публика, очень требовательная и критичная, иногда растаптывала даже самые известные и признанные произведения. Так, например, на премьере в "Ла Скала" случилось с "Мадам Баттерфляй" Пуччини. Опера была исключена из репертуара театра более чем на 20 лет и вновь поставлена лишь в 1925 г. Любопытная история рассказывается об исполнении "Турандот" - оперы, которую Пуччини не успел закончить. После смерти композитора ее дописал, как известно, Франко Альфано. Премьерой в "Ла Скала" дирижировал Артуро Тосканини. Дойдя до того момента, где прерывается запись Пуччини, Тосканини положил свою палочку, повернулся к публике и сказал: "Здесь опера кончилась. Маэстро умер", - после чего покинул дирижерский пульт.
И сейчас, в современном мире, оперы прошлого века не забыты: любой итальянец за работой частенько насвистывает известный всем мотив, а не слишком состоятельные девушки экономят на всем, чтобы, подкопив денег и нарядившись в лучшее платье, хоть разок сходить в "Ла Скала", ведь именно опера стала еще одним поводом для гордости за свою страну.
Анекдот на тему:
Россиянин опаздывает на спектакль в "Ла Скала". Вламывается в зрительный зал, к нему подходит билетер:
- Тс-с-с-с… Тише, пожалуйста…
- А что, уже все спят?
Глава 8. Театр
Корни итальянского театра уходят в глубь веков. Он зародился в Древнем Риме и, прославившись на весь мир, по сей день является образцом для подражания.
Древнеримский театр
Римское сценическое искусство развивалось под влиянием греческого театра и собственно римских народных представлений. На праздниках в честь жатвы исполнялись фесценины (грубоватые сатирические песни) и сатуры (представления, ведущие свое происхождение от танцев плясунов из Этрурии - современная Тоскана). Сатуры включали в себя музыку, танцы, пение, драматические сценки бытового комического содержания. Еще один вид представлений - ателланы - обычно комического содержания, где действовали маски-характеры. Маски-ателланы стали одним из истоков итальянской комедии дель арте. Каждая маска обозначает определенный вид личности. Всего было 4 постоянных персонажа: Макк - обжора, дурак и простофиля. Изображался он лысым, с крючковатым носом и ослиными ушами. Бунклен - смышленый и болтливый обжора с отвислыми губами и щеками. Папп - богатый, скупой и глупый старик. Доссен - хитрый горбун, невежа и шарлатан. Текст ателланы сочиняли по ходу действия участники спектакля, и только в I в. до н. э. появились литературные обработки.
На рубеже новой эры наибольшим успехом в Риме пользовались комедии, написанные как подражание греческим образцам, - паллиаты. Сам термин произошел от названия греческого широкого плаща - паллия; в них ходили герои этих произведений. Действия пьес происходили в Греции, но со временем в произведениях появлялось все больше и больше римских черт. Создателем паллиаты был Гней Невий, а расцвет жанра связан с именем Тита Макулия Плавта. "Плавт" в переводе означает "плосконогий", что, возможно, говорит о его приверженности к плясунам: такие актеры носили особую плоскую обувь. В своих пьесах он применял смешение: в одной пьесе смешивались фрагменты сюжетных линий пьес разных греческих авторов. Не меньшим успехом пользовались и контики - музыкальные комедии.