Гризайль. Техника однотонной акварельной живописи в системе подготовки студентов высшей архитектурно-дизайнерской школы
Курс дисциплины "Живопись" в системе подготовки дизайнера высшей архитектурно-дизайнерской школы является обязательным, так как без него невозможно формирование художественной культуры и цветового композиционного мышления у студентов. Этот курс помогает вырабатывать профессиональные навыки в изобразительной работе и архитектурной графике. Изобразительная и колористическая подготовка – вот базовая составляющая в образовании студентов архитектурно-дизайнерских специальностей. Именно изобразительная и колористическая подготовка оказывают несомненное влияние на творческую деятельность дизайнера, архитектора.
Обучение живописи начинается с первого курса. Среди других целей и задач, положенных в основу дисциплины, имеется такая, как освоение живописи в технике гризайль. Что такое гризайль? От французского – grisaille, от gris – серый, это вид живописи, выполняемый в различных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Именно гризайль рекомендуется на начальной стадии освоения курса живописи.
Именно на начальной стадии очень полезно делать одноцветные акварели, используя при этом водный раствор туши или чернил, сепию или чёрную акварель.
Письмо в однотонной манере позволяет студентам лучше понять технические особенности акварельной живописи и прочувствовать светотеневые фазы. Для этого им следует приготовить три тона (по интенсивности) красок. Первый – для обозначения тени, второй для полутонов и третий для освещённых мест. Максимальная освещённость на изображаемом, например, натюрморте будет обозначена незакрашенной частью бумаги.
В начале работы для успешного освоения студентами этого вида живописи рекомендуется натюрмортные постановки составлять из простых и обычных моделей: предметов домашнего обихода, цветочных ваз, фруктов.
После выполнения рисунка карандашом на планшете, обтянутом бумагой, необходимо нанести немного краски, при этом освещённые места пока не трогать. После высыхания работы обозначить тень. Через некоторое время следует наложить более тёмный тон на теневую часть изображаемого натюрморта. Дать подсохнуть. Затем обозначить полутона. Надо следить за действиями студентов и обращать их внимание на то, чтобы они по-прежнему не трогали освещённые места. Работа над освещёнными местами натюрморта проводится на заключительной стадии. Можно отметить их более светлым тоном. После нескольких упражнений обязательно появится результат.
Для лучшего освоения такого вида живописи, как гризайль, очень полезно делать быстрые наброски пером и затем завершать их однотонной акварелью. Здесь необходимо обращать внимание на переходы светотени. Такое задание способствует развитию у студентов последовательности в работе, умения передавать материальность предметов посредством использования светотени, тоньше чувствовать тональную проработку.
После того как студенты приобретут опыт, работая с одноцветной акварелью, можно постепенно переходить к многоцветному изображению. При работе с цветной акварелью следует учитывать и постоянно напоминать студентам, что наиболее светлые тона располагаются в освещённых частях, а более тёмные – в тени. При помощи кисти, смоченной в воде, необходимо наметить переходные моменты от света к тени.
Таким образом, гризайль является необходимым этапом в освоении курса дисциплины "Живопись". Он помогает студентам вернее постичь технические особенности акварельной живописи и прочувствовать светотеневые стадии. Только после освоения этой техники предлагается многоцветная акварель, где светотеневые отношения определяются более сложно и идёт колористическая подготовка студентов для дальнейшей творческой деятельности.
Список литературы:
1. Волков Н. Н. Цвет в живописи. М., 1984.
2. Ревякин П. П. Техника акварельной живописи. М., 1959.
Роль музейных экспонатов – произведений алтайских художников – в развитии творчества и обучении рисунку и живописи студентов архитектурно-дизайнерских специальностей
Вопросы архитектуры и дизайна в последнее время привлекают к себе внимание широкой общественности. И это неслучайно. За последние годы заметно изменился архитектурный облик города, а вместе с ним дизайн архитектурной среды. Оценивая современное состояние монументального искусства, надо отметить, что создание эстетически полноценных архитектурных ансамблей становится одной из главных задач и архитекторов, и художников, что важнейшей стороной деятельности всех творческих вузов является воспитание художника, дизайнера, архитектора. Поэтому вопрос о подготовке кадров художников-дизайнеров, художников-архитекторов, вопрос о формировании творческой личности в открытом образовательном пространстве приобретает ныне огромное значение.
В решении этих вопросов большое значение при обучении рисунку и живописи имеет живая связь с изобразительным наследием художников Алтая, графиков, скульпторов. Эта связь осуществляется в залах музеев и картинных галерей.
Задачи данного проекта:
1. Определить, насколько велика роль музейных экспонатов изобразительного искусства для формирования творческой личности.
2. Обосновать необходимость использования данного проекта в учебном процессе.
Настоящая работа рассчитана на узкий круг специалистов, преподавателей архитектурно-дизайнерских специальностей.
Вполне очевидным является вывод, что художественные выставки в музейных залах и картинных галереях носят не только эстетический характер (одно из главных назначений искусства, музейных выставок – доставление зрителям наслаждения, т. е. искусство должно нести гедонистическую функцию), но и воспитательный. Но у выставки есть ещё один важный момент – образовательный. И он очень важен для формирования творческой личности студентов архитектурно-дизайнерских специальностей.
Ведь именно на живом примере, что особенно важно при изучении живописи и рисунка, студенты этих специальностей в своих работах в учебных мастерских приобретают опыт достижения пространственности – освоения реального пространства и реальных объёмов красками на двухмерной плоскости. Для этого студент должен владеть многими художественными средствами, такими как светотень, линейная и воздушная перспектива, фактура мазка и, наконец, композиция. Но, пожалуй, главным среди них является цвет. Именно цвет, определённое соотношение его тональностей, то есть колорит картины, позволяет определять её эмоциональный строй. Ведь цвет в живописи выступает не только средством изображения, но и средством выражения. Цвет несёт главную смысловую нагрузку. Все эти моменты, необходимые для успешного освоения курсов живописи и рисунка, можно хорошо проанализировать и изучить в музейных залах и картинных галереях, где находятся великолепные шедевры изобразительного искусства алтайских мастеров.
Так, в Государственном художественном музее Алтайского края находится коллекция произведений первых художников Алтая – одна из жемчужин музея, явление художественной культуры, которое принадлежит не одному алтайскому народу, а всем сибирякам и отечеству в целом. Творчество выдающихся художников Алтая Г. И. Гуркина, А. О. Никулина, Н. И. Иванова, А. Н. Борисова является неоценимым источником для изучения и освоения техники живописи, колорита, композиции. Очень велико значение опыта живого общения с произведениями известных мастеров: он способствует качественной подготовке архитектора-колориста, дизайнера, знающих закономерности формирования живописного изображения и цветового облика архитектуры.
При живом восприятии произведений изобразительного искусства алтайских художников у студентов архитектурно-дизайнерских специальностей формируется художественная культура, развивается цветовое композиционное мышление, что оказывает несомненное влияние на их творческую деятельность. Исследование творческого наследия современных алтайских художников позволяет студентам архитектурно-дизайнерских специальностей развивать колористику художественно-проектного мастерства, а также узнать логическую последовательность организации творческого процесса изобразительной и проектной деятельности.
Выставка таких известных мастеров-графиков, как Раменский В. Г., Лупачёв Б. Н., Кабанов Ю. Б., Курдюмов А. В., Бурков Г. Ф., Емельянов А. Е., Еврасов В. И., под названием "Художник и книга. Вчера, сегодня и завтра", проходившая с 25.11.2005 в выставочном зале Союза художников Алтая, представляет собой неоценимый вклад в воспитание и формирование художников-графиков. Студенты, обучающиеся по специальности "графический дизайн", должны владеть языком линий, штрихов, пятен. Так же, как и в живописи, студенты-графики работают на плоскости, которой является белая (иногда цветная) бумага. Пространство и объём они создают при помощи линий, штрихов и пятен, соотношений чёрного и белого или различных тональностей одного цвета. Белая поверхность бумаги играет здесь такую же активную роль, как и разнообразные материалы, которыми они рисуют. При посещении выставки, при непосредственном контакте с произведениями художников-графиков студенты знакомятся и усваивают различные рисовальные техники, а их представлено в достатке: "сухие" и "мокрые". Это рисунки углём, сангиной, соусом, пастелью, сепией, тушью, мокрым соусом. На выставке представлены и акварель, и различные виды гравюр. Известно, что в основе всех видов творчества лежит рисунок. Он является основополагающим в обучении студентов архитектурно-дизайнерских специальностей. Посещение таких выставок позволяет формировать у студентов-графиков прочные профессиональные навыки, основанные на владении техникой рисунка, на воспитании эмоционального мироощущения, на стремлении к высокому художественному идеалу, которым соответствуют работы названных мастеров-графиков.